Abstract:
La construcción sociológica de las prácticas “culturales” en ámbitos de producción y consumo del libro, ha sido entretejida a través de un componente social desde donde se ha analizado el acceso a los bienes culturales (libro), la calidad y diversidad de contenidos en un marco de desigualdad producto de una industria cultural (Horkheimer, Adorno, 1947) que promueve la masificación y la serialización de los libros basada en una economía cultural que mantiene una organización, producción y estética uniforme vigente debido a las lógicas capitalistas soportadas por la tecnología. Como respuesta a esta industrialización transnacional, la noción de independencia en el ámbito editorial1 , entendida como un intento de desarticularla a través de la diversidad cultural encarnada en el libro llamada (bibliodiversidad)2 , pero así como valor agregado de ese mismo producto fuera de la industria, analizado principalmente como un “gesto contracultural”. La Bibliodiversidad es un discurso y vector que configura la de diversificación del libro. Asociada fundamentalmente a la edición independiente, significa que va de la mano con una serie de propuestas sobre políticas de desarrollo local de un país y global alternativas a la industria, y alternativa a un concepto de la cultura como recurso o mercancía funcional a la economía. La sociología, así como la economía política, los estudios culturales y la historia han posicionado en convergencia, esta lectura ambigua de las prácticas “culturales” en función de considerar la articulación de la memoria, el cuidado del patrimonio (lengua), de la(s) identidad(es) a través de las representaciones artísticas propias de cada época y el relato de la frontera. Las fronteras simbólicas son “distinciones conceptuales creadas para categorizar los objetos, las personas, las prácticas y el espacio” (Corneille, 1997). Su particularidad radica en sus demarcaciones subjetivas que los individuos trazan entre ellos, por tanto, el establecimiento de fronteras supone el desarrollo de procesos de identificación y de diferenciación a través de los cuales los individuos incluyen y excluyen a otros” 4. Por eso, el cruce de fronteras culturales implica el ejercicio de Bibliodiversidad, concepto acuñado en chile por el Colectivo Editores independientes de Chile, a fines de 1990, que hoy goza de carácter internacional. La Bibliodiversidad celebra su día internacional desde el año 2010 cada 21 de septiembre. Para que esta diversidad tuviera tal legitimidad, desde el año 2009 se advierte el surgimiento de numerosas microeditoriales “alternativas de gestión independiente” de manera descentralizada. Estas microeditoriales viven una paradoja entre la producción artesanal y la tecnologización, se reúnen en la furia del libro como respuesta a la FILSA (aparecen públicamente), originando una Bibliodiversidad invisible en el mercado. Su particularidad es primordialmente la poesía, libro-objeto, luego la narrativa, donde se encuentra el ejercicio de la traducción, crítica social y experimental (Subercaseaux, 2010).Mas, concluyen que Chile no es un país de lectores.

Abstract:
Arto Lindsay é um músico, compositor e produtor musical, considerado dentro do mundo da arte um multiartista devido à sua inserção estética e institucional em festivais, galerias, museus e performances. Nascido nos Estados Unidos e tendo crescido no Brasil, sua trajetória outorgou-lhe uma dupla nacionalidade que é objeto de praticamente todas as críticas artísticas a seu respeito. Lindsay exerceu um papel de agente mediador de diferentes culturas, não apenas do trânsito entre a cultura americana e a brasileira, fazendo circular informações e aspectos estéticos das produções artísticas de seu tempo. Focando esta pesquisa na trajetória deste artista desde a década de 1970, procuro delinear como ele teve um papel fundamental na transformação da música popular no Brasil através de seus trabalhos, mediações e rede de relações.

Abstract:
Este trabalho tem por objetivo propor uma aproximação interdisciplinar entre os estudos de cultura visual e os estudos museais a partir de um estudo de caso sobre curadoria de exposição e suas implicações políticas para a construção da memória.         No primeiro momento, e já definindo os marcos teóricos desta investigação, partiremos do pressuposto de que a questão da memória passa pelo estudo da imagem. Nesse sentido, poderemos fundamentar a abordagem social e histórica ao problema dos usos políticos do passado pelo presente através do fazer cultural da imagem. Trata-se, em outras palavras, de demonstrar a centralidade dos fenômenos de cultural visual nos processos sociais da construção política de dispositivos de memória. Na segunda parte, localizaremos o debate acima proposto no estudo específico do projeto de curadoria da exposição “Frans Post e o Brasil Holandês na coleção do Instituto Ricardo Brennand”, de 2003. A partir da análise tanto do catálogo da exposição quanto do projeto inicial para o espaço expositivo, demonstraremos como tratou-se de instituir uma narrativa que construiu lugares diferentes - e mesmo dicotômicos - para, de um lado, a criação estética de Frans Post, e, de outro, o contexto histórico da vinda dos holandeses ao Brasil no século XVII. Ao segregar a história da arte da história, em geral, o projeto curatorial reproduziu um discurso mimético sobre a imagem que descontextualizou a produção estética de Frans Post, possibilitando a reprodução do discurso fetichizante do olhar europeu sobre o “exótico”. Essa visão a-histórica da imagem da arte terminou por coincidir com o momento de rememoração dos “holandeses no Brasil” e em meio à suspeição dos quadros nacionalistas de uma história do Brasil em fins do século XX e início do XXI.

Abstract:
Shekuita o el mal trueno (2017) es el nuevo documental de un colectivo audiovisual de la comunidad indígena wiwa de la Sierra Nevada de Santa Marta en la costa norte de Colombia. Es el segundo largometraje realizado por este colectivo, con el apoyo de algunas personas externas a la comunidad. Su producción, que cuenta además con un corto documental como ópera prima, ha estado centrada en la escenificación de los conflictos entre el pueblo wiwa y la cultura mestiza hegemónica. En Shekuita se visibiliza la tragedia causada por un rayo que cayó en un centro ceremonial donde estaban reunidas las principales autoridades wiwa y acabó con la vida de 11 personas y dejó un importante saldo de heridos. Hoy después de dos años algunos de los sobrevivientes y familiares de los fallecidos hablan sobre uno de los momentos más difíciles y tristes que han vivido. El ejército, la policía y el gobierno local y nacional reaccionaron con agilidad para atender a los heridos y tratar de evacuar a los muertos, siguiendo procedimientos habituales para afrontar este tipo de tragedias naturales. Pero para los wiwa el mal trueno tiene significados e implicaciones que van más allá de un acontecimiento fortuito y trágico. Su tratamiento requería de rituales, reflexiones y negociaciones con la naturaleza y los dioses. Esto llevó a una solución provisional en la que las víctimas fueron dejadas en ataúdes en medio de las ruinas del sitio ceremonial y la aldea fue evacuada, pues era necesario cedérsela al mal trueno. Pero la comunidad vivió durante dos años el dolor de no haber cerrado del todo este episodio en sus términos. Consideramos que este tipo de situaciones deben ser vistas no cómo conflictos culturales sino ontológicos. Diferentes mundos y no diferentes maneras de ver o vivir un solo mundo real se articulan y performan en estos escenarios. Lo que les permite el audiovisual a los wiwa no es sólo representar sino volver a performar una ontología relacional (Escobar, 2012, 2015) que los ha mantenido vivos. En esta ponencia, basada en nuestro trabajo de campo (observación durante algunos momentos de la realización y entrevistas con miembros del equipo),  proponemos explorar la escenificación del conflicto ontológico en Shekuita o el mal trueno, haciendo uso de los elementos que ya se han venido elaborando en sus anteriores realizaciones, en donde el documental ha fungido no sólo como herramienta de representación sino además como herramienta performativa.

Abstract:
No Brasil, as discussões que envolvem a temática da apropriação cultural ganharam destaque, sobretudo, pela história de formação do país, que envolve processos interativos intensamente marcados por diferentes tradições étnicas. Todavia, tais interações, em vários momentos, implicam relações conflituosas e, não obstante, resistência por parte de um ou outro grupo cujas práticas são apropriadas. Na atualidade, vemos o debate reascender no cenário brasileiro. A discussão figura não apenas no meio acadêmico, mas também em movimentos sociais, alguns deles fazendo repercutir o assunto de maneira significativa no âmbito do ciberespaço. Reconhecendo a complexidade da temática em questão e a intensidade com que esta tem repercutido, este artigo se propõe a compreender a dinâmica do debate sobre apropriação cultural de elementos da estética negra no cenário brasileiro e seus desdobramentos nos mecanismos de resistência ao racismo. Para tal, delimitou-se como campo empírico, as publicações veiculadas pelo Geledés – Instituto da Mulher Negra, especificamente em seu sítio na Internet e em sua página na rede social Facebook. Os dados apresentados como escopo deste trabalhado foram obtidos mediante análise de conteúdo de seis artigos de opinião divulgados nos espaços virtuais do Instituto supracitado sobre o tema ora pesquisado, como também o espectro de opiniões dos leitores a partir de comentários por eles registrados em cada uma das publicações analisadas. Desta forma, os instrumentais metodológicos, aliados ao aporte teórico adotado nos permitem evidenciar  que a noção de apropriação cultural aqui discutida está associada às práticas de esvaziamento de significado de determinadas manifestações culturais, bem como a invisibilização de quem as produz. Apresentamos ainda como elementos constitutivos do debate em questão, a reivindicação de visibilidade do povo negro por meio do protagonismo de determinadas manifestações culturais cujas origens remetem à tradição afro-brasileira; denúncias frente ao branqueamento, banalização e mercantilização de tais manifestações e de como essas práticas resultam na ocultação do racismo e tentativas  de dominação, e por fim, reconhecer a estética negra como forma de resistência à opressão e ao preconceito étnico-racial. Dialogando com a temática em questão, trazemos como aporte teórico, as reflexões desenvolvidas por Oliven (1982), ao abordar como a dinâmica da produção e do consumo de cultura no Brasil transformou manifestações culturais, especificamente manifestações afro-brasileiras em símbolos nacionais, mascarando desta forma, opressões e conflitos étnico-raciais.  Hall (1998, 2003) nos ajuda a refletir, a partir dos hibridismos culturais, que o processo das trocas firmadas é de todo complexo, sobretudo, quando estas se dão em contextos de dominação e violência. Podemos pensar que tais hibridismos se formam dentro da lógica de uma cultura que se mundializa, porém, como assinala Ortiz (1994), tal processo de mundialização é constitutivo de relações de poder, assimetrias e conflitos; hierarquiza gostos e comportamentos.  

Abstract:
O presente trabalho discute a performance de rua Maiêutica da artista Raquel Mützenberg, enquanto uma metáfora decolonial do corpo feminino.  Ao refletir sobre a construção do espaço da cidade e a produção de subjetividades que se diluem transformando-o em lugar, as micropolíticas urbanas surgem para pensar sobre as relações poder/saber, e possivelmente gerar uma ruptura decolonial. A arte no cenário urbano é potencializadora do conhecimento da cidade a partir do sensível (Thibaud, 2012) pois o encontro das artes cênicas com o espaço urbano permite outras compreensões da realidade (Mignolo, 2003).  Na rua são possíveis encontros e discursos que desvirtuam saberes hegemônicos, o que sugere a criação da própria cidade, processo que é pensado aqui a partir da corpografia urbana (Jacques; Britto, 2008) enquanto uma micro-resistência, que se dá quando um corpo experimenta um espaço urbano não espetacular. Maiêutica como produção cênica da rua torna possível encontros sensoriais para pensar na arte desde a aesthesis decolonial (Mignolo, 2010), mas também na relação mulher/espaço, considerando a antropologia da experiência (Turner,1985).

Abstract:
Pretendo examinar nesta proposta de trabalho as relações (tanto as semelhanças como as divergências) entre as abordagens de Walter Benjamin (1892-1940) e Raymond Williams (1921-1988), dois dos mais destacados analistas da cultura no século XX. Mais precisamente, contrastarei suas análises que tratam da relação entre cultura e tecnologia, ou, para ser mais preciso, do papel que as mudanças técnicas e tecnológicas desempenham no processo histórico e, mais precisamente, no desenvolvimento da cultura. Assim, esta proposta de trabalho assume como objeto as análises de Benjamin sobre o cinema e o estudo de Williams sobre a televisão. Com isso, pretendo mostrar como esses dois autores, apesar das diferenças de objetos analisados e das especificidades dos períodos históricos nos quais intervieram, recusam ambos qualquer determinismo tecnológico, assim como estão preocupados em identificar as oportunidades criadas pelo emprego de novas técnicas no campo da cultura. Segundo pretendo mostrar, é essa forma original de abordar a relação da cultura com o desenvolvimento tecnológico o que permite a eles defender um uso democrático das novas tecnologias. 

Abstract:
La presente ponencia busca presentar los resultados de una investigación realizada en torno a la relación entre el desarrollo de la música pop en Chile y el contexto sociopolítico del Chile postdictatorial. Se estableció como hipótesis que las formas que asume la politización de la sociedad chilena influyen actualmente en la radicalización de los discursos de los músicos pop en torno a temáticas de denuncia política, las que apuntan a la visibilización de problemáticas particulares de índole cultural. En un primer momento, se analizó el surgimiento del pop en Chile, el cual se enmarca en los últimos años de la dictadura militar, marcados por el resurgir de las movilizaciones sociales y los primeros atisbos de una salida democrática al régimen autoritario. De este modo, a partir de una nueva escena musical under, el pop se desarrolló en concordancia con las nuevas formas de politización en la sociedad chilena, blindado éste de un concepto subversivo y un tono de protesta propio de la juventud desencantada con el régimen imperante. En segundo lugar, se observa que, a comienzo de los noventa, la música pop es cooptada por los sellos discográficos transnacionales, los que buscaron mercantilizar la escena pop nacional bajo el reflejo de la industria musical mundial. Es así que el pop dejaría atrás su pasado “subterráneo” para posicionarse como el estilo de música predominante en la industria musical, ahora desprovisto de un concepto subversivo. Ello coincide con lo que Moulian denominó la crisis de la política, dada por una creciente despolitización de la sociedad chilena al alero del modelo neoliberal vigente en el país. En tercer lugar, se establece que desde el 2006 se vive un proceso de politización de la sociedad chilena a raíz de la emergencia de nuevos movimientos sociales, lo que influye en la radicalización de los discursos de gran parte de los músicos de pop en Chile. A su vez, la crisis de la industria discográfica dada por el auge del Internet, impulsa la independización de los artistas, posibilitando una mayor autonomía en el proceso de creación y toma de decisiones. Se termina argumentando que actualmente el pop en Chile estaría directamente influido por el proceso de politización de la sociedad chilena, en tanto se reivindican luchas particulares como la lucha de género, la movilización de minorías sexuales, el movimiento estudiantil, etc. Así también, se concluye que el quehacer de los artistas es entendido como una instancia política en tanto la autonomía respecto a los sellos discográficos permite una mayor reflexividad en la toma de decisiones. Así, la música pop sería un reflejo del desarrollo sociopolítico del país, dando cuenta de la estrecha relación que existe entre el quehacer del arte y el devenir de la sociedad.

Abstract:
Neste trabalho desejamos apresentar reflexões sobre algumas das questões implicadas nas políticas públicas de cultura desenvolvidas na cidade do Rio de Janeiro, capital do Estado do Rio de Janeiro (Brasil), a partir de um estudo de caso sobre o Espaço Cultural Viaduto de Realengo (ECVR), localizado em uma área periférica da cidade em questão. Marcada fortemente por elementos da cultura urbana como o rap, a referida atividade também é composta pela identidade do samba, reggae e saraus. Tratando se de uma ocupação cultural em um espaço público, protagonizada pela juventude de periferia da cidade, pretendemos discutir a relação do Estado para com os produtores culturais de origem popular e suas ações culturais no território. Objetivamos investigar os múltiplos aspectos das políticas de incentivo à produção cultural presentes nessa relação. Para tal, colocaremos foco sobre: 1 - análise de um edital público – Edital Prêmio para Ações Locais 2014, fomentado pela Secretaria Municipal de Cultura do Rio de Janeiro, o qual as atividades realizadas por produtores culturais da periferia foram contempladas com uma verba total de R$ 4.000.000,00 (quatro milhões de reais) distribuídos para 85 (oitenta e cinco) projetos; 2 - como as ocupações artísticas e culturais de espaços públicos podem ter um diálogo efetivo com o Estado, a fim de garantir seu desenvolvimento. Ao longo deste trabalho, recorreremos metodologicamente à etnografia mediante a observação participante e análise de dados publicados nas redes sociais por perfis relacionados ao ECVR. Considerando os sinais de diálogo do Poder Público voltado para as práticas e fazedores da cultura de rua nos últimos anos, pensamos como o Estado pode incentivá-las, sem a censurar ou domesticar (FACINA, Adriana, 2016). São impasses comuns aos produtores culturais que ocupam ruas e espaços públicos as diversas exigências burocráticas para que obtenham, dos órgãos de Segurança Pública, a liberação para realização de seus eventos. Por vezes, as lógicas de Segurança Pública são também impostas como forma de repressão, revelando a criminalização das práticas culturais dessa juventude pobre e periférica. Assim, a luta desses jovens é “mais do que um direito de levar arte às ruas; trata-se de ter assegurado o direito à rua” (ALVES, Rôssi, 2013). O que propomos neste trabalho é refletirmos juntos sobre em quais medidas tais ações em territórios de periferia - a exemplo da ocupação cultural do viaduto de Realengo - indicam para um novo caminho de pensar e fazer políticas culturais em uma cidade que se quer fazer global, mas, ao mesmo tempo, carrega todas as contradições socioculturais de uma cidade latino-americana.

Abstract:
O objetivo desta comunicação é apresentar os resultados da pesquisa do grupo de estudos Música, História e Sociedade sobre a política contemporânea na música brasileira. Tendo como preocupação analisar as mensagens apresentadas em um conjunto de músicas selecionadas, nossa apresentação refletirá sobre questões sociais que se apresentam no discurso musical, tais como a representação dos políticos na música brasileira, representações sobre a democracia brasileira presente em algumas músicas, reivindicações populares inseridas em produções musicais, a relação entre a produção musical e a onda de manifestações populares em Junho de 2013 no Brasil. Pensando em contribuir para responder a pergunta sobre ¿cuál es el lugar de la cultura y del arte en los procesos de transformación actual?, esta proposta de comunicação irá refletir sobre como a música brasileira vem expressando a intensificação da polarização dos conflitos existente na sociedade.

Abstract:
O presente trabalho adota como objeto de interesse o que Yúdice designa como políticas artísticas, culturais e turísticas de revitalização urbana. Tratam-se de políticas urbanas voltadas para a renovação de espaços degradados ou abandonados as quais têm como marca a adoção dos setores da arte, da cultura e do entretenimento-turismo como vetor de desenvolvimento e reestruturação do local. O foco está posto, sobretudo, nos projetos de revitalização de centros históricos, regiões portuárias e zonas industriais que visam transformar esses espaços em polos de entretenimento-turismo voltados para o lazer. Basicamente, investe-se na renovação e modernização da infraestrutura cultural e turística dos locais com o intuito de instalar um complexo de negócios e serviços com ênfase na área de entretenimento-turismo. Durante este processo, uma série de recursos espaciais, arquitetônicos e simbólicos são mobilizados para confeccionar o “novo espaço” enquanto ambiência especial, diferenciada e muitas vezes espetacular, voltada para as práticas de diversão e contemplação. Integram-se elementos tidos como extraordinários (seja um edifício com estrutura e design modernos ou galpões do século XVIII, uma galeria de arte contemporânea ou uma feira tradicional de artesanato) com o objetivo de potencializar e emblematizar o lugar como zona de cultura, entretenimento e turismo, coordenada pelo tempo social do lazer. Iniciativas desse tipo vêm sendo desenvolvidas em diversas cidades do mundo pelo menos desde a década de 80. O exemplos mais conhecido é o “Port Olímpic” em Barcelona. No Brasil, o exemplo mais famoso certamente é o do sítio histórico do “Pelourinho” em Salvador. No caso da presente pesquisa, optei por realizar o recorte empírico com foco na cidade do Rio de Janeiro. Mais especificamente, tenho analisado o atual contexto de reestruturação de toda a zona portuária localizada no centro, processo coordenado pelo governo municipal através do projeto “Porto Maravilha”, que tem como meta revitalizar e requalificar uma área urbana de mais de 5 milhões de m². A meu ver, ao combinar ações de ampliação e modernização de equipamentos culturais, iniciativas de restauração e adequação do patrimônio material local e estratégias de fomento à instalação de restaurantes, hotéis tudo isso integrado por uma nova infraestrutura de transporte -, o projeto busca, em última instância, reconfigurar e transformar a região no novo grande centro de cultura e entretenimento-turismo da cidade. As poucas pesquisas em Ciências Sociais que encontramos sobre o projeto não abordam diretamente esse extenso processo de reinvenção da região enquanto um grande polo internacional de cultura e entretenimento-turismo. Pretendo assim analisar esse processo de renovação considerando os múltiplos aspectos que o compõe – sejam eles estruturais, históricos, políticos ou simbólicos-, capturando a complexidade da dinâmica de funcionalização da região portuária pela moldura da cultura e do entretenimento-turismo.

Abstract:
O reality show “Work of Art: The Next Great Artist” foi uma série produzida em 2010 e 2011 e exibida na América Latina em 2012, que trazia uma equipe de artistas plásticos consagrados no mercado de Nova York competindo com a produção de obras de arte por um prêmio de cem mil dólares e uma exposição garantida no Museu do Brooklyn. Em cada episódio se discutia: o que faz uma obra produzida por um artista não ser considerada obra de arte? O trabalho analisa este programa de TV a partir da teoria institucional da arte, com as perspectivas de George Dickie (1971; 1975), Arthur Danto (1973; 1974) e Howard Becker (1982). O programa, ao colocar o julgamento e a seleção dos artistas na mão dos juízes, que são críticos, galeristas e marchands e um leiloeiro de arte, ratifica o tipo de influência desenvolvida por estes personagens na produção da obra de arte. O trabalho analisa como o reality desmistificou a obra de arte. Revelou a um público laico os mecanismos de criação do fazer artístico, propiciando ao telespectador um workshop de crítica artística. Conclui que a perspectiva de arte contemporânea, apresentada pelo programa é uma visão empírica do que Howard Becker chamou de Mundo da Arte, que tirava do artista e da obra, as qualidades de obra de arte e a depositavam na interação entre todos os envolvidos, que ao serem eliminados, ouviam dos juízes: “Your work of art didn't work for us”.

Abstract:
  En nuestra región, en el ámbito educativo los programas curriculares en las artes se han ido alejando del campo de la sociología y lo podemos ver en la escasez de grupos de trabajo interdisciplinarios y proyectos de investigación especializados en dicha temática por parte de ambas disciplinas. Poco se cuestiona sobre las prácticas artísticas y el papel del artista en su contexto social, y por ende el trabajo de los artistas en formación se sitúa al margen de todo lo que problematiza sus procesos y objetos de producción, en su relación y participación con su sociedad como agentes transformadores de la misma.  Esto se puede comprender por un lado ya que los nuevos modelos educativos han priorizado disciplinas de conocimento fuera de las humanidades y por otro, la lógica y fuerte influencia que el mercado del arte ha penetrado en nuestro contexto. Dichas situaciones han creado un imaginario en los artistas en formación, que justifica la libertad creadora del arte como una actividad totalmente desvinculada de su función social y política. El ejercicio del arte en este contexto se sitúa entonces en una burbuja ajena a las problemáticas del contexto, aislando al artista de la posibilidad de incidir en éste desde la trinchera propia.    Ante ello se suma la crisis que ha roto el tejido social en nuestro contexto de un grave aumento de violencia y un modelo económico que ha traído profundas desigualdades, lo cual como educadores en las artes nos hace replantear el rol que jugamos en esta formación de los profesionistas, y ello nos exige la urgencia de ir más allá de la limitada construcción curricular que incorpora algunas pocas materias relacionadas a la Sociología del Arte, para ir hacia un trabajo extracurricular que diluya las fronteras de ambas disciplinas de conocimiento para la formación de profesionistas responsables de su contexto desde su dimensión socio- política. Para ello se presenta la experiencia de un Proyecto universitario basado en el enfoque interdisciplinario como método en los procesos de enseñanza-aprendizaje, trabajado entre alumnos y docentes del área de las Artes con Sociología. Este proyecto de producción colectiva-colaborativa hace una exploración de las posibilidades potenciales que tiene el arte en su función social a través de la re-construcción colectiva histórica de la iconografía del arte, la intervención artística-urbana, y la redirección de los discursos mediáticos en pro de la visibilización y reflexión acerca de las problemáticas del contexto; es decir el arte como instrumento de reflexión, memoria y resistencia pacífica para la construcción de una sociedad más humana.     

Abstract:
Durante las décadas de 1950 y de 1960 la crítica literaria experimentó en América latina un proceso de profunda renovación institucional e intelectual. Practicada hasta mediados del siglo XX de forma mundana y entendida como un género menor de la literatura, su institucionalización universitaria confirió a los críticos medios específicos de legitimación y, cada vez más independientes de aquellos reclamados por los escritores. Obviamente tal proceso se dio lentamente, y de manera conflictiva, pero el ascenso y la autoridad conquistada por esos nuevos profesionales de la crítica alteraron la morfología y las relaciones de fuerza en los campos literario y académico. En esta ponencia tomaremos como objeto la trayectoria y la producción intelectual del principal crítico e historiador de la literatura mexicana del siglo XX, José Luis Martínez (1918/2007), que, por su ejemplaridad, permite aprehender ese proceso y su especificidad en México en comparación con los casos de Brasil y Argentina ya estudiados anteriormente (Blanco y Jackson, 2015).

Abstract:
La hoy denostada Teoría de la Dependencia (1948-1973) sirvió como el cimiento básico con el cual el pensamiento autonomista latinoamericano,de la más variada índole disciplinaria, ha desarrollado una serie de ideas que pueden caracterizarse de una forma muy genérica como "epistémico contra-hegemónicas".      En un sentido cronológico, quien primero habría planteado la pregunta sobre el sentido y que hacer del conocimiento, su construcción y aplicación práctica en la región posteriormente conocida como "Latinoamérica" fue quizá Juan Bautista Alberdi en su célebre texto: "Ideas para presidir a la confección del curso de filosofía contemporánea" en 1842 en El Colegio de Humanidades de Montevideo, Uruguay. En su momento Alberdi se preguntó por el sentido de la aplicación práctica de la filosofía en las Américas antes españolas, sin saber que lo que realmente estaba haciendo era aplicando un principio de la epistemología al pensamiento autonomista latinoamericano. El problema de la representación epistemológica. La dificultad para realizar un planteamiento de ésta naturaleza radica en que la construcción del conocimiento y su discusión disciplinar, o sea la epistemología, pocas veces se analiza desde su dimensión representacional, es decir, bajo sus más diversas formas estético-plásticas. De las inmediatamente antes mencionadas destacan, imágenes, arte, representaciones cartográficas o mapas.      Sin embargo, la creación de esa cosa que llamamos conocimiento a través de la ciencia no es la única modalidad en que la epistemología hegemónica crea formatos que podrían equipararse al conocimiento validado, legitimado y posiblemente falseado.  Por lo contrario, el advenimiento de la sociedad de masas y de los medios masivos de comunicación, las formas en que la "opinión pública" y el "sentido común" actúan como criterios aparentes de "conocimiento". Dicho de otro modo, se trata de un fenómeno de vulgarización ontológica y categorial del conocimiento entendido como una reflexión de tercer nivel, donde la teoría y la comprobación empírica se cruzan.      Básicamente, ésta proposición sostiene que los medios masivos de comunicación como lo han demostrado diversos estudios teórico-empíricos como los de la Escuela de Birmingham y los de la Escuela culturalista latinoamericana crean una especie de "ilusio"(Bourdieu) sobre las masas que pretenden ostentar conocimiento de tipo científico con base en experiencias sensoriales mediáticas. Dicho lo anterior, será comprensible que las películas históricas, documentales, noticieros, redes sociales, opiniones diversas de "comunicólogos" o memes sean consideradas por un amplio público como un tipo de conocimiento equiparable al aprendizaje adquirido en centros universitarios. Por otro lado, las experiencias mediáticas hegemónicas a través de los medios masivos virtuales como lo es el uso de internet, redes sociales tales como face book, twiter, google+, instagram, youtube se encuentra desde hace años reemplazando al sistema educativo tradicional escolar bajo tutela de los Estados-nacionales alrededor del mundo.  

Abstract:
Asumiendo que hay una emergencia de la subdisciplina de la sociología visual en nuestro país, los sociólogos involucrados se han abocado a la realización documental no sólo como posibilidad de difusión y comunicación alternativa, sino también como práctica de una sociología que hace de la etnografía visual su eje y guía metodológica, estableciendo con actores juveniles un diálogo y convergencia de su creatividad sociocultural. Se presenta la experiencia de una realización audiovisual para recuperar una historia subalterna que refleja la resistencia y creatividad sociocultural de una generación de jóvenes que deambulan en el caos de la vida rural y urbana del Estado de México; haciendo eco del lema punk: ¡Hazló tu mismo!, que les ha permitido reinventarse como bandas y colectivos más allá de instituciones y programas culturales fallidos.